アンディ・ウォーホルと作品について
絵画
1960年代初めには、ポップ・アートは実験的な形式として、さまざまなアーティストが独自に取り入れていた。ロイ・リキテンスタインのような先駆者たちがは、のちにポップ・アートの代名詞となった。
そしてウォーホルもまた、大衆的な題材を絵具で描くこの新しいスタイルに目をつけ、のちに「ポップの教皇」とまで言われるようになった。
ウォーホルの初期の作品は、漫画や広告から抜粋したイメージを、絵の具を垂らしながら手描きで表現したものだった。マリリン・モンローはウォーホルが描いたポップ・アートで、非常に人気があった。それらの作品は、抽象表現主義（ウィレム・デ・クーニングなど）を模倣したものだった。
ウォーホルの最初のポップ・アートは、1961年4月、ニューヨークのデパート、ボンウィット・テラーのウィンドウ・ディスプレイの背景として展示された。この場所は、かつてポップ・アートで活躍したジャスパー・ジョーンズ、ジェームズ・ローゼンクイスト、ロバート・ラウシェンバーグも展示したことがあった。
スープ缶やウォーホルのドル絵画の両方のアイデアを思いついたのは、ギャラリストのミュリエル・ラトウだった。
1961年11月23日、ウォーホルはラトウに50ドルの小切手をわたしたが、2009年のウォーホルの伝記『Pop, The Genius of Warhol』によれば、これはスープ缶を題材にするアイデアを思いついたことに対する報酬だったという。
初個展で、ウォーホルは人生のほとんどの時間で昼食にしていたというキャンベルスープの缶を描き、その名を知らしめた。このようなファイン・アーティストの始まりから、ウォーホルはのちのスタイルや主題を発展させていった。
ウォーホルはよくシルクスクリーン作品を制作していたが、ウォーホルは数人のアシスタントを雇い、指示を出してシルクスクリーンのマルチプルを制作し、さまざまなバージョンやバリエーションを作っていた。
ウォーホルはコミカルな作品とシリアスな作品の両方を制作していた。たとえば、題材としてスープ缶であったり電気椅子であったりした。
ウォーホルは、セレブや日用品、あるいは自殺や自動車事故、災害のイメージを描くときでも同じ手法（シルクスクリーン、反復、鮮やかな色彩）を用いた。
1979年、ウォーホルはBMWアートカー・プロジェクトの第4弾として、BMW M1グループ4のレーシング・バージョンを描くよう依頼された。当初、1978年にBMW 320iを描くよう依頼されたが、車種が変更され、その年のレースには出場できなくなった。
ウォーホルは、技術者にスケールモデルのデザインを転写させる代わりに、自分で自動車に直接絵を描いた最初のアーティストであった。このとき、ウォーホルは23分ほどで描き上げたという。1979年のル・マン24時間レースでは、エルヴェ・プーラン、マンフレッド・ヴィンケルホック、マルセル・ミニョの3人がこの車を運転している。
ウォーホルの作品の中には、彼自身の性格もさることながら、キートネス的であると評されるものがある。また、メディアに対してバカなふりをしていると言われることがある。自分の作品について説明することを拒むこともあった。
ウォーホルは、自分の作品について知るべきことはすべて「表面だけにある」と示唆している。
ロールシャッハのインクのしみは、芸術と芸術のあり方についてのポップなコメントとして意図されたものである。また、牛の壁紙や酸化絵画（銅の絵の具を尿で酸化させたキャンバス）もこの文脈で注目される作品である。
また、これらの作品とその制作方法が、アンディのニューヨークの「ファクトリー」の雰囲気に似ていることも特筆される。アンディの「小便絵画（ピス・ペインティング）」については、伝記作家のボブ・コラセロ氏が詳しく紹介している。
「ビクターは、アンディの酸化絵画で小便小僧をしていた。彼は、アンディやロニー・カトローンが銅系塗料で下塗りしたキャンバスに排尿するためにファクトリーにやってくる。ロニーは、尿に含まれる酸が銅を緑色に変えるが、ビタミンBを摂取するとよりきれいな色になると言って、アンディが高く評価していた。アンディは自分の尿を使ったことがあるのですか？私の日記によると、1977年12月、アンディが初めてこのシリーズを始めたとき、アンディは自分の尿を使ったようです。ランチに来てワインを飲み過ぎて、アンディに絵を描くのを手伝ってくれと頼まれるのを面白がって、お世辞にも喜べないような少年たちが、他にも大勢いた。アンディが彼らをスタジオに案内するとき、彼の歩き方にはいつも少しハリがあった」。
ウォーホルが1982年に発表したバスキアの肖像画《ジャン＝ミシェル・バスキア》は、酸化銅の「小便絵」の上にシルクスクリーンを施したものである。
シルクスクリーン、酸化絵画、写真などを長年続けてきたウォーホルは、筆を手にして絵を描くことに戻った。
1983年、ウォーホルはバスキアやクレメンテとの共同制作を開始した。ウォーホルとバスキアは1984年から1985年にかけて50以上の大型共同作品シリーズを制作。初公開時には批判もあったが、ウォーホルはこれらの作品のいくつかを「傑作」と呼び、その後の作品に影響を与えた。
1984年、ウォーホルはコレクターでギャラリストのアレキサンダー・アイオラスからの依頼で、サンタ・マリア・デッレ・グラツィエの向かいにあり、レオナルド・ダ・ヴィンチの壁画が見られるミラノのステッリン宮の旧食堂での展覧会に向け、「最後の晩餐」に基づく作品を制作した。
ウォーホルはこの依頼を受け、シルクスクリーンや絵画を中心に100点近いバリエーションを制作し、その中にはバスキアとの共同作品「Ten Punching Bags (Last Supper)」もあった。
1987年1月、22枚のシルクスクリーンで始まったミラノでの展覧会は、作家とギャラリスト双方にとって最後の展覧会となった。
『最後の晩餐』のシリーズは、「間違いなく彼の最高傑作」と見る者もいれば、「弱々しい、宗教的」「精神がない」と見る者もいた。 アメリカの芸術家の中では、宗教をテーマにした作品のシリーズとしては最大規模である。
アーティストのマウリツィオ・カテランは、アンディ・ウォーホルのアートを日常から切り離すことは困難であると述べている。「ウォーホルと私たちの日常を区別することは基本的に不可能であり、いずれにせよ無駄なことなのです」。
ウォーホルは、カテランの雑誌や写真集『Permanent Food』『Charley』『Toilet Paper』にインスピレーションを与えた。
ウォーホルは死の直前まで、メルセデス・ベンツのための絵画シリーズ「Cars」を制作していた。
映像
ウォーホルは，1962年にラ・モンテ・ヤングの静止画作品『トリオ・フォー・ストリングス』の初演に参加し、その後、有名な静止画シリーズを制作した。
映画監督のジョナス・メカスは、ウォーホルの『トリオ』初演に同行し、ウォーホルの静止画はこのパフォーマンスに直接触発されたと主張している。
1963年から1968年にかけて、60本以上の映画と、ファクトリー訪問者の短いモノクロの「スクリーンテスト」ポートレートを約500本制作した。
最も有名な作品のひとつ『Sleep』は、詩人のジョン・ジョルノが6時間眠り続ける様子を撮影している。
35分の映画『Blow Job』は、映画監督ウィラード・マースからオーラルセックスを受けていると思われるデヴェレン・ブックウォルターの顔を連続撮影したものである。
『エンパイア』（1964年）は、夕暮れのニューヨークのエンパイアステートビルを8時間にわたって撮影した映像である。『Eat』は、45分間、キノコを食べる男の映像である。
『バットマン ドラキュラ』は、ウォーホルがDCコミックスに無断で制作・監督した1964年の作品。彼のアート展でのみ上映された。
バットマンシリーズのファンであったウォーホルの映画は、同シリーズへの「オマージュ」であり、あからさまに凡庸なバットマンの初登場とされる。
2006年に公開されたドキュメンタリー映画『ジャック・スミスとアトランティスの破壊』で、この映画のシーンが長く上映されたため、最近までこの映画は失われたと考えられていた。
ウォーホルは、1965年にアンソニー・バージェスの人気ディストピア小説『時計じかけのオレンジ』を映画化した『ヴァイナル』を発表している。
ほかには、ブリジット・バーリン、ビバ、イーディ・セジウィック、キャンディ・ダーリン、ホリー・ウッドローン、オンディーヌ、ニコ、ジャッキー・カーティスといったファクトリーの常連たちの即興的な出会いを記録したものもある。伝説のアンダーグラウンド・アーティスト、ジャック・スミスが登場する『キャンプ』などもよく知られている。
最も人気があり、批評家からも高い評価を得た作品は『チェルシー・ガールズ』（1966年）である。この作品は、2本の16ミリフィルムを同時に投影し、2つの異なるストーリーを同時上映するという非常に革新的なものであった。
映写室から、ある作品では音を上げ、その「物語」を解明し、別の作品では音を下げる。映像の増殖は、1960年代初頭のウォーホルの代表的なシルクスクリーン作品を想起させる。
ウォーホルは映画監督ラドリー・メッツガーの映画作品のファンであり、メッツガーの映画『リッカーシュ・カルテット』を「とんでもなく変態的な傑作」と評している。
ウォーホルのスーパースターのビバとルイス・ウォルドンとがベッドで愛し合う『ブルームービー』が、ウォーホルの最後の監督作品となった。
ポルノ黄金時代の代表的な作品であるこの映画は、当時、性的な出会いを率直に表現しているとして物議を醸した。『ブルームービー』は2005年にニューヨークで30年以上ぶりに一般上映された。
1968年の銃撃事件後、ウォーホルは映画製作への個人的な関与をやめることにした。助監督のポール・モリッシーが、ファクトリーの映画制作を引き継ぐことになり、ウォーホル色の映画をより主流で物語性のある、B級テイストの映画に舵を切った。
これらの映画は、後の『アンディ・ウォーホルのドラキュラ』や『アンディ・ウォーホルのフランケンシュタイン』など、ウォーホルが監督としたどの作品よりもはるかにメインストリーム的なものであった。
1970年代初頭、ウォーホルが監督した映画のほとんどは、ウォーホルと彼のビジネスを取り仕切る周囲の人々によって、マーケットから引き離された。
ウォーホルの死後、ホイットニー美術館によって徐々に復元され、美術館や映画祭で時折上映されるようになった。ウォーホル監督作品のうち、ビデオやDVDで発売されているものはほとんどない。
音楽
1960年代半ば、ウォーホルはヴェルヴェット・アンダーグラウンドというバンドを起用し、マルチメディア・パフォーマンス・アート展『Exploding Plastic Inevitable』の見どころにした。
ウォーホルは、ポール・モリッシーとともにバンドのマネージャーを務め、ニコ（ウォーホルの依頼でバンドと共演することになる）を紹介した。
ヴェルヴェット・アンダーグラウンドのマネジメントもしていたウォーホルは、自分がプレゼンターを務める映画の前で、彼らを真っ黒な服に着替えて演奏させることもあった。
1966年、彼らのファーストアルバム『The Velvet Underground & Nico』をプロデュースし、アルバムアートも担当した。アルバム制作に実際に参加したのは、単にスタジオの使用料を支払っただけだった。
ファースト・アルバムの後、ウォーホールとバンドのリーダーであるルー・リードは、バンドの進むべき方向性について意見が対立するようになり、彼らの芸術的な友情は終わりを告げた。
ウォーホル亡き後の1989年、リードとジョン・ケイルは1972年以来、再びタッグを組み、ウォーホルに捧げるコンセプト・アルバム『ソングス・フォー・ドレラ』を作曲、演奏、録音、リリースした。
2019年10月、ウォーホルが1975年に出版した『アンディ・ウォーホルの哲学：AからBそして再び』に基づいてリードが作曲した公には知られていないオーディオテープが、ピッツバーグのアンディ・ウォーホール美術館のアーカイブで発見されたと報告された。
ウォーホルは、ジョン・ワロウィッチのデビューアルバム『This Is John Wallowitch!!!』（1964年）の写真入りジャケットを皮切りに、さまざまなアーティストのアルバムジャケットを多数デザインした。
ローリング・ストーンズのアルバム『スティッキー・フィンガーズ』（1971年）と『ラヴ・ユー・ライヴ』（1977年）、ジョン・ケイルのアルバム『アカデミー・イン・ペリル』（1972年）と『ホニソイ』（1981年）のカバーアートをデザインしている。
ウォーホルの最後の作品のひとつは、1986年のゴールドアルバム『Aretha』のジャケットに描かれたアレサ・フランクリンのポートレートである。
書籍
1950年代初頭から、ウォーホルは未製本の作品集を数冊制作している。
ウォーホルの最初の自費出版物は『25 Cats Name Sam and One Blue Pussy』である。1954年にシーモア・バーリンがアーチーズの透かし入り用紙に、ウォーホルのブロッテド・ライン技法で描かれたものである。
オリジナル・エディションは、ドクター・マーティンのインク洗浄を使用した手彩色のもので、190冊限定だった。これらのほとんどは、ウォーホルが顧客や友人に贈られた。
表紙に「Jerry」と刻まれ、ジェラルディン・スタッツに贈られた4号は、1987年のファクシミリ印刷が使われ、原本は2006年5月にドイル・ニューヨークのオークションで35000米ドルで落札された。
ウォーホルの自費出版本には他に以下のようなものがある。
・A Gold Book
・Wild Raspberries
・Holy Cats
ウォーホルの著書『A La Recherche du Shoe Perdu』（1955年）は、彼の「コマーシャル・アーティストからギャラリー・アーティストへの移行」を示すものである。このタイトルは、フランスの作家マルセル・プルーストの『À la recherche du temps perdu』のタイトルにウォーホルがつけた言葉遊びである。
■参考文献
・https://en.wikipedia.org/wiki/Andy_Warhol、2022年5月4日アクセス