ロイ・フォックス・リキテンスタイン（1923年10月27日-1997年9月29日）はアメリカのポップ・アーティスト。1960年代にアンディー・ウォーホルやジャスパー・ジョーンズやジェームス・ローゼンクイストらとともに新しいアートムーブメントを引率した代表的な人物である。

パロディを通じて皮肉性を含んだポップ・アートが基本的な作品姿勢で、彼のインスピレーションの源泉となっているのは主に新聞に描かれる大衆漫画（コミック・ストリップ）である。

例外もあるが、リキテンスタインの作品の大半は、三原色（赤、青、黄）に黒を加えた4色である。リキテンスタインは、三原色だけの限られたカラーパレットを使用するだけでなく、これらの色を完全に飽和させた状態で使用している。

ほとんどはオリジナルではなく、アンディ・ウォーホルと同じく既存の漫画作品の小さなコマを、キャンバス大に拡大して、独自の色の処理を行っている。その意味合いにおいてオリジナルから変更されているので、コピー作品とは異なるとリキテンスタインや評論家たちは主張している。

作品に描かれている水玉ドットは手作業でペイントしていない。ステンシルを使って描いている。

また、リキテンスタインはポップ・アートを「「アメリカ」の絵画ではなく、実際には「工業用」の絵画」と表現した。

『Whaam!』『Drowning Girl』『Oh, Jeff...I Love You, Too...But...』などが一般的に認知されている作品で、最も後世に影響を与えてる。特に広告業界とコミック業界に大きな影響を与えている。

日本では東京都現代美術館が所有している『ヘアリボンの少女』が広く認知されている。

彼の最も高価な作品は、2017年1月に1億6500万ドルで落札された『マスターピース』である。

「「アメリカ」の絵画ではなく、実際には「工業用」の絵画」と表現した。

漫画をモチーフにしてアカデミックな構図で描写し、皮肉でパロディに満ちた表現内容。

作品の大半は、三原色（赤、青、黄）に黒を加えた4色である。

手書きではなくステンシルを使っている。

リキテンシュタインはユダヤ人だったが、「自分のルーツを隠していた」ため、自分がユダヤ人であることをあまり口にしなかったという。家族は中流階級の上層で、父のミルトンは不動産ブローカー、母のベアトリス（ヴェルナー）は主婦だった。

彼はアッパーウエストサイドで育ち、12歳までパブリックスクールに通った。その後、ニューヨークのドワイト・スクールに通い、1940年に同校を卒業した。リキテンシュタインはまず、学校を通じて、趣味として美術やデザインに興味を持つようになった。

彼は熱心なジャズファンで、ハーレムのアポロ・シアターで行われるコンサートによく足を運び、楽器を演奏するミュージシャンのポートレートをよく描いていた。

高校最後の年の1939年、リキテンスタインはニューヨークのアート・スチューデント・リーグの夏期講習に参加し、レジナルド・マーシュの指導を受けた。

その後、ニューヨークを離れ、オハイオ州立大学のスタジオコースで学び、美術の学位を取得した。

第二次世界大戦中および戦後の1943年から1946年までの3年間、陸軍に入隊。語学、工学、パイロット養成などの訓練を受けたが、結局は軍務員、製図員、アーティストとして活躍した。

瀕死の父を見舞うために帰国したリキテンシュタインは、G.I.ビルの資格を得て陸軍を除隊。

その後、オハイオ州で、後の作品に大きな影響を与えたとされる師匠のひとり、ホイト・L・シャーマンのもとで学ぶことになる。リキテンシュタインは後に、OSUに出資して設立した新しいスタジオを「ホイト・L・シャーマン・スタジオ・アート・センター」と命名する。

リキテンスタインは、オハイオ州立大学の大学院に入学し、美術の講師として採用され、その後10年間、その職に就いた。1949年、オハイオ州立大学から芸術学の修士号を取得。

1951年、ニューヨークのカールバッハ・ギャラリーで初の個展を開催。同年、クリーブランドに移り、6年間滞在していたが、ニューヨークに頻繁に戻っていた。

この頃、絵を描く合間に、下書きや窓の装飾などさまざまな仕事をしていた。この頃の作品は、キュビスムと表現主義の間を行き来していた。 1954年、長男のデビッド・ホイト・リキテンスタイン（現在はソングライター）が誕生する。1956年には次男のミッチェル・リキテンシュタインが誕生している。

1957年、ニューヨーク州北部に戻り、再び教鞭をとるようになる。 このとき、抽象表現主義のスタイルを採用したが、このスタイルへの転換は遅かった。

リキテンスタインは、1958年にニューヨーク州北部のニューヨーク州立大学オスウィーゴ校で教鞭をとり始めた。この頃から、ミッキーマウスやバッグス・バニーなどの漫画のキャラクターのイメージを隠して抽象作品に取り入れるようになった。

1960年にラトガース大学で教鞭をとるようになると、同大学の教師であったアラン・カプローの影響を強く受けるようになる。この環境が、リキテンシュタインのプロト・ポップ・イメージへの関心を再び高めた。

1961年、リキテンスタインは、カートゥーンのイメージと商業印刷の外観から得た技術を用いて、最初のポップ・ペインティングを始めた。この段階は1965年まで続き、消費生活や家庭生活を示唆する広告イメージが使用された。

ハードエッジな人物とベンデイドットを大々的に使用した最初の作品が『ルック・ミッキー』（1961年）である。 この作品は、子どもがミッキーマウスのコミック本を指して、「きっとパパにはあれほどうまく描けないよ」と言ったことがきっかけとなっているという。同年、ガムの包み紙や漫画などのキャラクターを使った作品を6点制作している。

1961年、レオ・カステリがニューヨークの自分のギャラリーでリキテンスタインの作品を展示し始めた。

リキテンスタインは1962年にカステリのギャラリーで初の個展を開いたが、展覧会が始まる前に有力なコレクターが全作品を購入した。

1961年から1962年にかけて制作された絵画群は、スニーカーやホットドッグ、ゴルフボールなど、家庭に放置された寂しげなものをテーマにしたものだった。

1963年9月、ラトガース大学ダグラス・カレッジでの教職を休職する。

彼の作品は、戦争や恋愛をテーマにしたコミックに触発されたものが多かった。当時、リキテンシュタインはこう語っている。「感情的に強い題材として使えるものなら何でも興味を持っていました。たいていは愛や戦争など。排除されたじっくりとした絵画技法とは反対の、非常に感情的な題材でした」。

リキテンスタインがアメリカだけでなく、世界的に有名になり始めたのはこの頃からである。リキテンスタインは、アートシーンの中心にいるためにニューヨークに戻り、1964年にラトガース大学を辞めて絵画に専念した。

リキテンスタインは、油絵具やマグナ（初期のアクリル）絵具を使って、DCコミックスの『シークレット・ハーツ』83号のリードストーリーを流用した『Drowning Girl』（1963年）などの代表作を制作している。また、『Drowning Girl』では写真を複製したような太い輪郭線や大胆な色彩、ベンデイドットが用いられている。

リキテンスタインは自分の作品について次のように語っている。「抽象表現主義者たちは「キャンバスの上に何かを置くようにし、色の位置や大きさなどは彼らのアクションに反応した。私のスタイルはまったく違うように見えますが、線を置くという性質はほとんど同じです。私の場合、ポロックやクラインのように書道のようにはなりません」。

リキテンスタインの作品は、被写体を再現するのではなく、マスメディアに描かれた被写体を取り上げるものだった。

リキテンスタインの作品が初めて展示されたとき、当時の多くの美術評論家はその独創性に異議を唱えた。彼の作品は低俗で空虚だと酷評された。1964年の『ライフ』誌の記事のタイトルは、「彼はアメリカで最悪のアーティストか」というものだった。リキテンスタインはこうした主張に対して、次のような回答をしている。

「私の作品がオリジナルのものに近ければ近いほど、その内容は脅威的で批判的なものになる。しかし、私の作品は、私の目的や認識が全く異なるという点で、全く変容している。私の絵画は批判的に変換されていると思いますが、それを合理的な議論のラインで証明するのは難しいでしょう」。

 彼の最も有名な作品は、間違いなく『Whaam! 』(1963年）だろう。この作品はポップ・アートの最も初期の例のひとつであり、DCコミックスの「All-American Men of War」の1962年の号で、アーヴ・ノヴィックが描いたコミックブックのパネルを転用したものである。

戦闘機が敵機に向けてロケットを発射し、赤と黄色の爆発音がする様子が描かれている。「Whaam!」という擬音文字と、「I pressed the fire control ... and ahead of me rockets blazed through the sky ... 」というフキダシのキャプションにより、カートゥーン・スタイルが強調されている。この二枚組作品は、1.7 x 4.0 mという大きな作品である。

『Whaam』は、これまでの絵画に見られたコミック・ストリップを基盤にしたテーマを踏襲しており、1962年から1964年にかけて制作された戦争をテーマにした作品群の一部である。

この作品は、戦争をテーマにした彼の2つの代表的な大作のうちの1つである。1963年にレオ・カステリ画廊で展示された後、1966年にテート・ギャラリーが購入し、それ以来、テート・ギャラリーの所蔵品となっている。

1968年には、ダルムシュタットの企業家、カール・シュトレーハーが、《ナース》（1964年）、《コンポジションI》（1964年）、《We rose up slowly》（1964年）、《Yellow and Green Brushstrokes》（1966年）など、リキテンシュタインの主要作品を購入している。

リキテンスタインは、1964年頃から彫刻の実験を始めた。平面的な絵画作品とは対照的に、形を表現する能力に長けていた。『For Head of Girl』（1964年）や『Head with Red Shadow』（1965年）では、陶芸家と協力して粘土で頭部の形を作っている。

リキテンスタインは絵画と同じように釉薬を使ってグラフィックなモチーフを作り、黒い線やベンデイドットを立体物に施すことで、形をフラットにしている。

リキテンスタインの代表的な作品のほとんどは、漫画のコマを正確ではないが比較的忠実にコピーしたものである。1965年に彼はこのテーマをほぼ放棄したが、その後も、ときどきさまざまな方法で作品に漫画の要素を取り入れることがあった。

リキテンスタインが利用したコマはもともと、ジャック・カービーやDCコミックのラス・ヒース、トニー・アブルッツォ、アーヴ・ノヴィック、ジェリー・グランデネッティといった漫画家が描いた作品からの流用だが、彼らの名前が作品にクレジットされることはほとんどなかった。

リキテンスタイン財団のエグゼクティブ・ディレクター、ジャック・カワートは、リキテンスタインがコピー主義者であるという考えに異議を唱え、次のように述べている。

「ロイの作品は、他の人が考え出したグラフィックの方程式や感情表現を驚かすものでした。コマは、スケール、色、処理、そしてその意味合いにおいてオリジナルから変更されており、正確なコピー作品ではない」。

しかし、漫画のイメージや部分を使用することに批判的な人もいる。特にその使い方が、芸術の主流が漫画を見下すように使われていることにおける状況で批判が出ている。漫画家のアート・スピーゲルマンは、「リキテンスタインが漫画に対して行ったことは、アンディ・ウォーホルがスープに対して行ったことと同じである」とコメントしている。

リキテンスタインの作品は、漫画のコマを拡大したもので、アートとしての価値があるかどうか広く議論された。

リキテンスタイン自身は、「名目上はコピーしているが、実際にはコピーしたものを別の言葉で直している。そうすることで、オリジナルはまったく別の質感を得ることができる。それは太いとか細いとかの筆跡ではなく、点や平らな色、そして不屈の線である」話している。

エディ・キャンベルは、「リキテンスタインは、手のひらよりも小さい、新聞紙に4色インクで印刷された小さな写真を、『芸術』が作られ展示される従来のキャンバスサイズにまで拡大し、絵の具で仕上げた」とブログに書いている。

リキテンスタインに関して、ビル・グリフィスはかつて、「ハイ・アートとロー・アートがあるが、彼はロー・アートをハイ・アートの文脈に組み込み、オリジナルとは異なるものへと昇華させたハイ・アートである」と話している。

リキテンスタインのコミックベースの作品は一定の評価を得ているが、リキテンスタインがオリジナルのアーティストや著作権者のクレジットを表示せず、ロイヤリティも支払わず、許可も得ていないという批判的な意見もある。

2013年、BBC Fourのドキュメンタリー番組のインタビューで、アラステア・スーキーは漫画家のデイヴ・ギボンズに、リキテンスタインを盗作者と考えるかどうかを尋ねた。ギボンズはこう答えた。

「私なら『模倣犯（コピーキャット）』と言いますね。例えば音楽では、どんなに下手でも、オリジナルのアーティストにクレジットや支払いをせずに、他人の曲を口笛で吹いたり、演奏したりすることはできません。つまり、これは『WHAAM！ by Roy Lichtenstein, after Irv Novick』なのです」。

スーキー自身は、「リキテンスタインは、微妙だが重要な方法でノヴィックのアートワークを変換しただろう」と主張している。

シティユニバーシティ・ロンドンの講師であり、ユニバーシティ・カレッジ・ロンドンの博士であるエルネスト・プリエゴは、リキテンスタインが漫画作品の原作者のクレジットを表示しなかったのは、DCコミックスの前身であるナショナル・ピリオディカル・パブリケーションズが、作家やアーティストのクレジットを一切表示しないという決定をしたことを反映していると指摘している。

1966年、リキテンスタインは、1960年代初頭の有名なイメージから一転して、60点以上の絵画とそれに付随するドローイングを含む「モダン・ペインティング」シリーズを開始。リキテンスタインの特徴であるベンダイ・ドットや幾何学的な形や線を用いて、見慣れた建築物の構造やアール・デコから借りたパターンなど、微妙に喚起するような、しばしば連続したモチーフから、不調和で挑戦的なイメージを描き出している。

1960年代初頭、リキテンスタインはセザンヌ、モンドリアン、ピカソの名画を複製し、1965年には「ブラシストローク」シリーズに着手した。

リキテンスタインはその後も、ゴッホの『アルルの寝室』をモチーフにした「アルルの寝室」などの作品で、ブラシストロークシリーズを繰り返し行っている。

1960年代後半には、リキテンスタインは漫画を利用するのをやめる。

1970年、リキテンスタインはロサンゼルス郡立美術館から、1967年から1971年にかけて開発された「アート＆テクノロジー・プログラム」の一環として、映画制作の依頼を受ける。

また、ユニバーサル・フィルム・スタジオの協力を得て、1964年から1966年にかけて制作した風景をテーマにした一連のコラージュ作品に直接関連する海の風景を描いた映画「Three Landscapes」を構想し、制作する。

リキテンスタインは15本の短編映画を制作する予定だったが、ニューヨークを拠点とするインディペンデント・フィルムメーカー、ジョエル・フリードマンと共同で制作した3画面のインスタレーションは、リキテンスタインにとって唯一の映画における実験的な作品となった。

1970年、リキテンスタインはロングアイランドのサザンプトンにかつての馬車小屋を購入し、敷地内にスタジオを建て、1970年代の残りの期間を隠遁するように過ごした。

1970年代から1980年代にかけて、彼のスタイルは緩み始め、それまでに行ってきたことを拡大していった。また、20世紀初頭のヨーロッパの巨匠の芸術、パブロ・ピカソ、アンリ・マティス、フェルナン・レジェ、サルバドール・ダリに影響を受けるようになった。

リキテンスタインは、1969年に「鏡」のシリーズを描き始める。1970年になると「鏡」シリーズを続けながら、エンタブラチャを題材にした作品を制作し始める。

「エンタブラチュア」は、1971年から1972年にかけての第1シリーズの絵画と、1974年から76年にかけての第2シリーズ、そして1976年に発表されたレリーフプリントのシリーズで構成されている。

1978年にロサンゼルスを訪れたリキテンシュタインは、弁護士のロバート・リフキンドが所蔵するドイツ表現主義の版画や絵本のコレクションに魅了される。その後、表現主義の絵画に見られるスタイルの要素を取り入れた作品を制作するようになった。

『The White Tree』（1980年）は抒情的なドイツ表現主義の青騎士グループの作品を想起させ、『Dr. Waldmann』（1980年）はオットー・ディクスの『Dr. Mayer-Hermann』（1926年）を想起させる。

色鉛筆で描かれた小さなドローイングでは、エミール・ノルデやマックス・ペヒシュタイン、そしてディクスやエルンスト・ルートヴィヒ・キルヒナーらが好んだ木版画のテンプレートが使われた。

また、1970年代後半になると、リキテンスタインの作風は、『パウ・ワウ』（1979年）で見られるような、よりシュルレアリスム風の作品になっていった。1979年から1981年にかけてのシュールレアリスト・ポップの大作シリーズは、アメリカ先住民をテーマにしたものである。

これらの作品は、流線型のトーテムポールを思わせる様式化された等身大の彫刻である『Amerind Figure』（1981年）から、記念碑的なウールタペストリーの『Amerind Landscape』（1979年）まで多岐にわたっている。

『インディアン』シリーズは、シュルレアリスムシリーズの他の作品と同様に、リキテンシュタインの小さな図書館にあったアメリカ・インディアンのデザインに関する本など、現代美術やその他の情報源からテーマを得ている。

リキテンスタインが1972年から1980年代初頭にかけて制作した静物画、彫刻、ドローイングには、果物、花、花瓶などの伝統的なものをはじめ、さまざまなモチーフやテーマが用いられている。

1983年、リキテンスタインは「アパルトヘイト反対」というタイトルの2枚の反アパルトヘイトポスターを制作した。

1988年から1990年にかけて制作された「Reflection」シリーズでは、過去の作品のモチーフを再利用している。

『Interiors』（1991-1992）は、電話帳やビルボードに掲載された家具の広告からインスピレーションを得て、ありふれた家庭環境を描いた作品シリーズである。

また、1994年にニューヨークのメトロポリタン美術館で開催されたエドガー・ドガのモノクロプリントに着想を得て制作された『Landscapes in the Chinese Style』シリーズでは、ベンデイドットやブロックの輪郭を模したモチーフが、手の痕跡を消した硬質で鮮やかな色彩で表現されている。

リキテンスタインの1990年代の作品には、『Collage for Nude with Red Shirt』（1995年）など、ヌードが繰り返し登場する。

リキテンスタインは、絵画や彫刻にくわえて、おもにスクリーンプリントで300点以上の版画を制作している。

リヒテンシュタインは死ぬまで芸術に専念し、しばしばスタジオで少なくとも1日10時間過ごしていた。彼の作品は世界中の主要な美術館のコレクションに取得され、1995年の国民芸術勲章を含む数々の名誉学位と賞を受賞した。

リヒテンシュタインは、1997年9月29日、マンハッタンのニューヨーク大学医療センターで肺炎による合併症で亡くなった。

■参考文献

・https://en.wikipedia.org/wiki/Roy_Lichtenstein、2021年8月6日アクセス

・https://www.biography.com/artist/roy-lichtenstein、2021年8月6日アクセス