フィンセント・ファン・ゴッホは、1889年にサン＝レミ＝ド＝プロヴァンス居住時期を中心に、少なくとも15枚のオリーブの木を描いている。

1889年5月から1890年5月まで、ゴッホ自身の希望で同地の精神病院に滞在し、病院の庭や、許可を得て壁の外に出て近くのオリーブの木や糸杉、小麦畑を描いていた。

そのうちの1枚『山の風景とオリーブの木』は、『星月夜』を補完する作品である。オリーブの木の絵は、ゴッホにとって特別な意味をもっていた。

1889年5月のオリーブ作品群は生命、神、生命の循環を表現し、1889年11月の作品群はゲッセマネにおけるキリストに対するゴッホの感情を象徴しようとしたところから生まれた。

オリーブを摘む人たちの絵は、生命、収穫、死のサイクルのいずれかを描くことで、人間と自然の関係を表している。また、自然との交わりを通して、個人がいかに神とつながることができるかというもと伝えている。

ゴッホは自然とのふれあいに安らぎと救いを見出していた。1889年に描かれたオリーブの木のシリーズは、病気や感情の起伏が激しい時期だったが、彼の最高傑作とみなされている。

1889年5月、ゴッホはプロヴァンスのサン・レミーの近くにあるサン・ポールの精神病院に自ら入院する。そこでゴッホは隣接していた部屋をアトリエとして利用した。

ゴッホは当初、精神病院の敷地内に閉じこもり、部屋から見える世界、たとえば蔦に覆われた木々、ライラック、庭の菖蒲などを（窓枠なしで）描いていた。

塀の外に出たときは、麦畑やオリーブ畑、糸杉などプロヴァンスらしいと感じる風景を描いた。1年の間に約150枚のキャンバスを描いた。

入院生活で課せられた養生がゴッホに安定感をもたらした。「ここで仕事をすることは、外にいるよりも幸せなことだと思う。ここに長くいれば、規則正しい習慣が身につき、長い目で見れば、私の人生に秩序が生まれるだろう」と書いている。

しかし、サン＝レミーでの生活は、コーヒーやアルコール、食生活の乱れ、テレビン油や絵の具の摂取を試みるといった、ゴッホの悪癖の管理を強いられることになり、理想的な滞在とも言えなかった。病院から出るには許可が必要だった。

食事は、パンとスープだけで貧しく。ケアといえば、週に2回、2時間の風呂に入ることくらいしかなかった。

入院中の1年間、ゴッホはてんかんの一種である可能性のある発作を定期的に起こしていた。発作が悪化した1890年初頭には、病院にいても回復しないと判断し、1890年5月にパリの北にあるオーヴェル・シュル・オワーズに移ることになった。

田園、周囲の野原、糸杉、オリーブの木を描くことで、ゴッホは芸術を通して自然とのつながりを取り戻した。1889年に、南フランスに広く見られる「由緒正しく、枝分かれしたオリーブの木」を描いた少なくとも15枚の絵を完成させているが、これについて彼は次のように書いている。

「オリーブの木は、日中の光と空の効果で、被写体としての可能性を無限に広げる。私自身は、空のトーンによって変化する葉のコントラストに注目しています。ときには、木が淡い花を咲かせ、大きなアオハダやエメラルド色の果実の甲虫やセミが大量に飛び交うと、すべてが真っ青に染まってしまうのです。そして、ブロンズ色の葉がさらに成熟した色調を帯びると、空は緑とオレンジの縞模様に輝き、その後もう1度、さらに秋が深まると、葉は熟したイチジクのような紫色を帯び、この紫色の効果は、淡いレモンの光の輪の中にある白く大きな太陽とのコントラストによって最もよく現れる。また、驟雨の後には、空全体がピンクやオレンジ色に染まり、銀色の灰緑色に絶妙な価値と色彩を与えているのを見たことがある。そして、その中で、同じくピンク色の女性たちが果実を集めていたのです」。

ゴッホは、プロヴァンスを象徴するオリーブの木に、「過酷性と説得力」を感じたという。ゴッホは弟のテオに、「（オリーブの木を）描くのに苦労している。古い銀色、時には青みがかった色、緑がかった色、ブロンズ色、黄色やピンク、紫がかったオレンジ色の土の上の白く消えかかった色...とても難しい」と書いている。

ゴッホは、「オリーブ畑のざわめきは、何かとても秘密めいたもので、非常に古いものである。あまりにも美しいので、私たちはそれを描く勇気がないし、想像することもできない」とわかった。

ゴッホは若い頃、労働者に奉仕する聖職に就くことを考えた。オランダで一時期学んだが、その熱意と自らに課した禁欲主義のために、短期間のレイ・ミニストリーの職を失った。

その後、聖職とややたもとを分かち、教会の体制を拒否するようになったが、自分にとって慰めであり重要な個人的霊性を見出した。そして、 1879年、彼は人生の方向転換を図り、絵画を通して「神と人間への愛」を表現できることに気づいた。

ゴッホは、晩年の29ヵ月間、病気や精神的苦痛から解放されるために、作品の主要な主題である自然を描いている。それ以前は、両親から受け継いだ狭い宗教を否定し、宗教や神に対して、ニーチェのようなニヒリズムに近いスタンスをとっていた。

ゴッホが最もよく「深い意味」を見出したのは、花咲く木々やオリーブ園、野原であった。

ゴッホはテオに、死も幸福も不幸も「必要で役に立つ」相対的なものだと書き、「私を打ちのめし、怖がらせるような病気に直面しても、その信念は揺るがない」と宣言しているのである。

秋の作品は、友人のポール・ゴーギャンやエミール・ベルナールらが描いた『オリーブの園のキリスト』に対して、いくぶん反発したものである。

ゴッホは、「何も観察していない」という彼らの作品に不満を抱き、「木立の中で、朝夕、澄んだ寒い日でも、美しく明るい太陽の下で」描いた結果、この年の初めに完成した3枚のキャンバスに加えて5枚のキャンバスを制作した。

ゴッホは弟のテオにこう書いている。「私がやったことは、彼らの抽象的なものの傍らでは、かなり硬くて粗い現実であるが、素朴な質を持ち、土の匂いのするものになるだろう 

」と。ゲッセマネを再現しなくても苦悩は表現できるし、山上の垂訓の人物を描かなくとも、穏やかで安らかな気持ちは表現できる」と説明した。

また、ゴッホはこうも言っている。「オリーブの園にいるキリストを描くのではなく、今日見られるようなオリーブの収穫を描き、その中に人間の姿を適切に配置することで、人はそれを思い起こすことができるかもしれません」。

ゴッホの初期の作品は、くすんだグレーの色彩で描かれていた。パリで出会ったエドガー・ドガやジョルジュ・スーラなど、フランスを代表する画家たちから、色使いや技法に多大な影響を受けた。

それまで地味で暗かったゴッホの作品は、その後「燃えるような色彩に」変化したのである。実際、ゴッホの色使いは劇的なものとなり、表現主義者と呼ばれることもあった。

しかし、ゴッホの「ほとばしる感情」を最も表現する機会を与えてくれたのは、南フランスという地域だった。太陽が降り注ぐ田舎の効果に啓発されたゴッホは、何よりも自分の作品が「色が約束してくれる」と報告している。 ここでゴッホは傑作を制作し始めたのである。

ゴッホは、日照や季節によって劇的に変化する木々の色や雰囲気をとらえた。そして「青」という色を神の象徴として使い始めた。『星月夜』と『オリーブの木』の絵の両方で、ゴッホは空の強烈な青を、イエスの「神聖で無限の存在」を象徴するために使用している。

神を表現するための「近代的な芸術言語」を求めたゴッ後は、イエスの象徴であるオリーブの木を「輝く黄金の光」で浴びるなど、オリーブの木の絵の多くに神々しさを求めた。

ゴッホは、印象派の「破調色」という概念を用いて、作品に光を与えるために、革新的に色を描き、絵画に光と形を与えた。それは、耕作地、山、岩、頭や人物を描いた作品でも同様であった。

このシリーズは、ゴッホが慣れ親しんだ厚塗りの絵の具を使わず、より洗練されたアプローチで統一されている。

ナショナル・ギャラリーは小麦シリーズを次のように総括している。

ゴッホは、オリーブの木に、その古く、枝分かれした形の表現力に、自然界に存在すると信じていた霊的な力の表出を見出したのである。

ゴッホの筆致は、土や空さえも、地中海の風に揺らぐ葉と同じように、ざわざわとした動きで生きているように見せている。この強烈な個性的な筆致は、ペイントというより、重たい筆でキャンバスに描かれたような印象である。

その絶え間ないリズムのエネルギーは、ゴッホが木々の中に見出した生きる力、木々を形作ったと信じる霊的な力を、ほとんど物理的な方法で私たちに伝えてくれる。

スカイ・ジェサニは、ゴッホの絵画の多く、特にオリーブの木シリーズにおいて、ゴッホは悲しみの救済の質を伝え、悲しみの中にも喜びがあることを主張している。

1876年のゴッホの小言を引用すると「悲しみは喜びにまさる...その表情の悲しみによって、心はよくなるのだから。私たちの本性は悲しみに満ちていますが、イエス・キリストを見つめることを学び、学んでいる者にとっては、常に喜ぶべき理由があるのです。聖パウロの言葉、「悲しむと同時に喜ぶ」というのは良い言葉です」。

ゴッホは手紙の中で、1889年6月に制作された3枚の絵と、1889年11月下旬までに完成した5枚の絵という2つのグループ分けを明記している。

また、9月に描かれたもの、12月に描かれた3枚のオリーブ摘みの絵、その他にも数枚がある。ゴッホは安全対策として、絵の具を使えないときに、オリーブの木の絵を何枚か描いている。

近代美術館（MoMA）所蔵の《山の風景とオリーブの木》について、ゴッホは弟のテオにこう書いている。

「オリーブの木のある風景と、星空の新しい研究をした」もので、この絵は、夜間の《星月夜》を昼間に補完するものだという。

ゴッホの意図は、「画家たちの写真的で愚かな完璧さ」を超え、色彩と直線的なリズムから生まれる激しさを追求することだった。

絵の中では、アルプスの麓と「エクトプラズム」の雲がかかった空の下に、緑色のオリーブの木がねじれるように立っている。その後、絵が乾くと、ゴッホはパリのテオに2枚を送り、次のように記した。

「オリーブの木と白い雲、背後の山々、そして月の出と夜の効果は、全体の配置の観点から誇張されており、古い木版画のように輪郭線が強調されている」。

ゴッホは、オリーブを摘む女性を描いた3つのバージョンを描いている。1枚目（F654）は、「自然から得たより深い色調で」その場で描いた習作と説明している。

 2枚目（F655）は「3枚のうちで最も解像度が高く、様式化された」もので、姉と母のために描いたもので、ニューヨークのメトロポリタン美術館に所蔵されている。

3枚目はワシントンDCのナショナル・ギャラリーにあるチェスター・デール・コレクション（F656）で、12月にスタジオで「非常に控えめな色調」で描いた。

絵の主題はすぐにわかるが、最初の木が踏み台のように観客の視線を導く。

ここでゴッホは、文字通りの解釈よりも、感情的・精神的なリアリティを重視していた。女性たちは生活の糧としてオリーブを収穫している。木々が女性たちを包み込むように、木々と風景がほとんど一体化している様子は、自然と人間との感情的な結びつきや相互依存関係を示している。

ほかの作品として、夫婦でオリーブ摘みをする絵がある。クレラー・ミュラー美術館の『オリーブ畑と二人のオリーブ摘み』（F587）で、1889年12月に描かれたものである。

ゴッホは1889年5月から6月にかけて4枚のオリーブの絵を描いている。最初の作品《三日月のある山景色の中でオリーブの木の間を歩くカップル》（F704）は、ブラジル、サンパウロのサンパウロ美術館に所蔵されている。

ゴッホは、精神病院に滞在して2ヶ月目の6月に3枚のオリーブの木を描いている。

ネルソン・アトキンス美術館にある《オリーブの果樹園》（F715）は、ゴッホが1889年7月の手紙で、「その紫色の影が日当たりの良い砂地に横たわる」と表現した灰色の葉をつけたオリーブの木の果樹園である。

対照的に、影はプロヴァンスの太陽の熱を際立たせている。長方形の反復的な筆致が、この作品の情緒を高めるエネルギーを伝えている。

2017年11月、絵の中からバッタの死骸が発見された。野外で絵を描いているときにすでに死亡して付着したと推定されている。

ゴッホ美術館の昼間の青空をイメージした《オリーブの木：明るい青空》（F709）は、ヨーテボリ美術館の『オリーブの木』（秋の暖色系）と似ている。この秋の色調の絵は、ゴッホが目指していた「厳しく粗い」リアリズムを実現するものだった。

ゴッホはこの絵を、翌年オーヴェル・シュル・オワーズで世話になる友人で医師のガシェに贈った。

クレラー・ミュラー美術館の『オリーブ園』（F585）は、1889年6月に描かれた。

この時期の絵画は、「精神的な意味」の項で述べたように、ゴーギャンやベルナールのゲッセマネの絵に対するゴッホの反発が芸術的に大きく結実したものであった。

スコットランド国立美術館の《オリーブの木》（F714）の強烈な特徴は、この作品を完成させたときのゴッホの心の動揺を表していると思われ、筆跡と色使いの両方から劇的なインパクトが感じられる。

青緑色で涼しげな色調の6月のオリーブとは対照的に、ミネアポリス美術館の《黄色い空と太陽のオリーブの木》（F710）は鮮やかなオレンジと黄色が秋の季節を思わせる。

小説家のウォーレン・キース・ライトは、15年以上にわたってミネアポリス美術館にあるこの絵を訪れ、その絵に魅了されながら、その理由がわからないでいた。彼は、この絵が2つの時代を表現していることに魅力を感じているのだと理解するようになった。

昼下がりの太陽は、山の上で真西に位置している。しかし、影は左、つまり秋に落ちるはずの南西から傾いている。この絵は時間と同期していないだけでなく、季節とも同期していない。それは「自らの未来を予言し、自らの過去に回帰する」のである。

1889年11月か12月、ファン・ゴッホは《オリーブ園》MoMA（F708）に取り組んだ。この時期に描かれたもう一枚の絵は《オリーブ畑：オレンジ色の空》（F586）は、スウェーデンのヨーテボリ美術館に所蔵されている。

■参考文献

・https://en.wikipedia.org/wiki/Olive_Trees_(Van_Gogh_series)、2022年8月6日アクセス