セザンヌは、故郷エクス＝アン＝プロヴァンスの風景を愛し、その象徴ともいえるサント・ヴィクトワール山を生涯にわたり描き続けました。特に1902年から1906年にかけて制作された作品群は、太い筆致や鮮やかな色彩、幾何学的な形態の探求といった特徴を備え、セザンヌ独自のスタイルを確立しています。これらの作品は、風景画の枠を超え、近代絵画の新たな地平を切り開いたと言えるでしょう。

『サント・ヴィクトワール山』は、ポール・セザンヌが1870年代から亡くなる1906年まで繰り返し描いたシリーズです。この山は南フランスのエクサン・プロヴァンスにあり、彼の代表的な題材のひとつです。セザンヌはこの山をモチーフに、約30点の絵画や水彩画を制作しました。

セザンヌの作品は「後期印象派」と呼ばれるスタイルに分類されます。当時の印象派の画家たちが、目に見える自然をそのまま描こうとしたのに対して、セザンヌは自然の「本質」や「構造」を表現しようとしました。そして、風景を幾何学的な形で捉え、色の重なりや変化で奥行きを表現しました。

この独特の表現方法は、後にピカソやマティスといった画家たちに影響を与え、キュビスムや抽象絵画の発展につながりました。セザンヌの『サント・ヴィクトワール山』シリーズは、絵画の歴史に大きな足跡を残した作品です。

• ポール・セザンヌの代表作
• 自然の本質や構造を表現しようとした
• ピカソやマティスなど次の前衛画家に多大な影響を与えた

セザンヌが描いたサント＝ヴィクトワール山の作品は、大きく2つの時期に分けられます。

1. 「総合の時期」 (1870年代～1895年)
   この時期の作品では、セザンヌは対象を構造的に捉え、油絵を中心に描きました。

2. 後期 (1895年～1906年)
   晩年には、より透明で軽やかな表現を追求し、水彩画も積極的に制作しました。

セザンヌは、サント＝ヴィクトワール山を描くたびに、視点や照明、構図の細部、表現したい雰囲気などを工夫し、変化を持たせていました。主に利用した見晴らしの良い場所は、ベルヴューにある兄の土地の近く、ビベミュの採石場周辺、そしてレ・ローヴの3カ所でした。

彼の風景画には、灰白色の石灰岩でできたサント＝ヴィクトワール山そのものだけでなく、その山がそびえ立つ谷や平野も頻繁に描かれています。これらの場所の特徴や雰囲気を捉えた作品群は、セザンヌの独自の視点と自然への深い探究心をよく表しています。

セザンヌのこの時期の作品は、光が直接的に描かれ、形がはっきりと際立っています。その絵画には、深い思索と独自の視点が込められていました。

代表作の一つである「モン・サント・ヴィクトワール」などの風景画では、セザンヌは風景をシンプルに描くことを大切にしていました。これにより、奥行きを平面上で表現するという当時の一般的な描き方を大胆に変えたのです。

さらに、セザンヌの風景画には左右が対称でない構図が多く見られます。幅広く太い筆のタッチも特徴で、時にはパレットナイフを使うこともありました。こうした工夫が、彼の作品に独特の魅力を与えています。

この時代は、故郷エクス＝アン＝プロヴァンスの東にある場所で制作したもので、特に山の明快さと荒々しい幾何学的形態に魅了されて描かれています。セザンヌは作品を通じて、リズム、形態、色彩の調和を追求し、1884年から1888年頃には細部まで緻密に描き込まれた作品が多く見られます。その後はより柔らかく「幻視的」な表現へと移行していきました。

この時期の作品では、モン・サント・ヴィクトワールの力強い姿が、見慣れた谷を支配するように拡大されて描かれることが一般的でした。いくつかの作品では、畑を横切る鉄道の線路や、アーチ型の高架橋が描かれ、中景には農場や家々が点在しています。鉄道の高架橋はまるで古代の水道橋のように描かれ、ローマ時代の遺構を思わせる重厚な歴史感を与えています。

また、セザンヌは一本松や高架橋、尾根などのモチーフを取り入れ、これらの関係性を探求しました。彼は風景の中を歩き回り、異なる角度や視点から山を観察し、堅固な山の平面と木々の音楽的な動きが相互に影響し合う様子を楽しみました。

コートルード美術館に所蔵されている1887年頃に制作された『大きな松のあるサント・ヴィクトワール山』が代表例です。緑と黄色の部分が、涼しげな青とピンクで描かれたそびえ立つサント・ヴィクトワール山へと視線を導きます。前景と背景の両方にわずかに赤を配することで、視覚的な統一感を生み出しています。

前景の広がる松の枝は、山の輪郭に沿っています。これは、セザンヌのお気に入りの構図の 1 つでした。時代を超えたこの背景を遮っているのは、右側の近代的な鉄道高架橋と、通過する列車が残した蒸気の跡だけです。

この絵は、最初にエクスのアマチュア芸術家の展覧会で公開されました。しかし、当時の観衆にはその価値が理解されませんでした。失意の中、セザンヌはこの絵を詩人ジョアシャン・ガスケに贈り、若いガスケが示した心からの称賛に感謝の意を表しました。この絵は、1880年以降にセザンヌが署名した数少ない作品の一つとして知られています。

その後、セザンヌの芸術は劇的に評価を変えることになります。特に注目すべきは、コレクターのサミュエル・コートールドとの出会いです。1922年、コートールドが初めてセザンヌの絵画を目にしたとき、彼は「魔法」を感じたと語りました。

その情熱はやがてセザンヌの作品を集める重要なコレクションへとつながります。このコレクションの結果、コートールド美術館は現在、英国で最大規模のセザンヌ作品群を誇るまでになりました。

セザンヌが1902年にエクス＝アン＝プロヴァンスの北に土地を購入した後、彼の創作活動は新たな展開を見せました。

1902年から1906年にかけて、彼はサント・ヴィクトワール山を題材にした作品を、油彩で11点、水彩でさらに多く制作しました。この時期の作品は、いくつかの特徴を持っています。

まず、セザンヌの筆遣いは以前よりも太く力強くなり、色彩はより鮮やかで、構図は時に不安定さを感じさせるものでした。また、絵画の形態が細かく分割され、それぞれの要素がより明確に描かれています。

彼は、絵画を構成する要素を色彩が染み込んだ幾何学的な形状と捉え、それを基に画面全体を組み立てました。この手法により、強烈な色の斑点が形態を生み出し、作品に独自の生命感をもたらしています。

この時期のセザンヌの代表作の一つである『モン・サント・ヴィクトワール』は、5枚のキャンバスをつなぎ合わせながら制作したもので、彼の独創的なアプローチを象徴しています。キャンバス全体を横切る筆遣いによって統一されたイメージが作り出される一方で、複数のキャンバスの接合部は、「絵画の展開」を示す役割を果たしています。

この作品では、山が澄んだ清らかな姿で描かれ、鮮やかな青でその輪郭が強調されています。西側の斜面は白い下塗りの上に透明感のある筆致が重ねられ、光を反射して輝いています。一方で、北側の斜面は影が深く、陰影が生み出す対比が印象的です。

空は緑、青、ラベンダーの均一なタッチで描かれ、白い斑点が流れる雲として挿入されています。谷は緑と黄土色の層が広がり、農家へと導かれます。この農家は、周囲の木々や野原の「音楽的」な構成の中に幾何学的にしっかりと立っています。

構図の下部では、幅広く湿った筆致が使用され、よりタイトで制限された色調が加わっています。右側の平野では、垂直の筆致が力強く、左から右への加速感を生み出しています。空の右端では、緑と青の筆致がよりエネルギッシュかつ抽象的になり、画面外に溢れ出すような勢いを感じさせます。

キャンバス全体には、セザンヌが絵画に込めたエネルギーと興奮がむき出しのまま残されていますが、小さな農家は明確に描かれ、画面全体のリズムと奥行きを確立しています。セザンヌの制作プロセスにおいて、構図や筆致、色彩のスタイルが制作中に進化していったことは、この作品からも明らかです。

セザンヌは生涯の大半を故郷エクスで過ごしました。父親の死後、家督を相続したことで経済的な不安から解放され、彼は初めて自由に芸術に専念することができました。これにより、彼は「並外れた忍耐と自己鍛錬」をもって創作活動に取り組むようになります。

しかし、1897年に母親が亡くなると、遺産を整理する必要に迫られ、生家とエクス郊外の土地を妹たちと共に売却することになりました。この家が1899年に売却されたことは、セザンヌにとって大きな精神的打撃となります。

その後、彼はエクスの北部に位置するレ・ローブの丘に土地を購入し、1902年には新たなアトリエを建設しました。この地からはエクスの街やサント＝ヴィクトワール山を含む壮大な景色を見渡すことができ、彼はここで晩年の重要な作品の多くを生み出しました。

セザンヌは1895年、アンブロワーズ・ヴォラールの支持を得て、ようやくパリで個展を開くことができました。この個展は広く注目されることはありませんでしたが、若い画家たちに影響を与え、セザンヌは次第に 「伝説的な名声 」を獲得していきました。

ポール・セザンヌ（1839年1月19日 - 1906年10月22日）は、フランスのポスト印象派の画家で、19世紀後半の印象派と20世紀初頭のキュビスムをつなぐ重要な存在です。

当初は印象派のグループの一員として活動し、何度か印象派展にも出展していましたが、1880年代からグループを離れ、伝統的な絵画の約束事にとらわれない独自の絵画様式を探求し、最終的には、ポール・ゴーギャン、フィンセント・ファン・ゴッホとならんで3大後期印象派の1人として、美術史に記録されることになりました。

セザンヌは遠近法や構図の固定観念を打破し、物体の根本的な構造や形式の美しさを強調しました。さらに、色彩の微妙な変化や重なりを追求し、伝統的なデザイン手法を革新しました。

セザンヌの筆使いは、反復的かつ探究的であり、小さな筆跡や色面が複雑な構造を生み出します。この特徴的な手法は、絵画に深い考察と観察の跡を感じさせます。

セザンヌの作品は当初、批評家から理解されず、冷笑されることもありました。しかし、1895年に画商アンブロワーズ・ヴォラールがパリで開催した個展を機に注目され、広く評価されるようになりました。特にアンリ・マティスやパブロ・ピカソといった後の巨匠たちは、セザンヌを「近代美術の父」と称賛しました。

印象派の画家たちが見たままの自然を直接描こうとしたのに対し、セザンヌは目に映る表面的なものの背後にある本質や構造を表現しようとしました。

クロード・モネが一瞬の光や大気を捉えるために風景画を一回で仕上げることに注力したのに対し、セザンヌは同じ主題に繰り返し向き合うことを選びました。彼はモン・サント＝ヴィクトワールに何度も足を運び、その姿を丹念に観察し、深い思索を積み重ねました。

その結果、セザンヌの風景画は特定の時間帯や季節、天候に縛られることなく、時間を超越した永続的な魅力を持つ作品となったのです。

また、セザンヌは風景の内部構造を際立たせることに重きを置きました。モン・サント＝ヴィクトワールの形状を微妙に歪め、明確な幾何学的形態と絵画的なバランスを作り上げることで、自然の秩序と力強さを表現しようとしました。

このアプローチにより、セザンヌの作品は単なる写実を超え、自然そのものの本質を映し出すものとなっています。このセザンヌの制作方法がキュビスムや抽象主義に受け継がれました。

セザンヌは後期印象派、なかでも象徴主義の美学を打ち立てました。

象徴主義の伝統を受け継ぐ風景画家たちは、色と形の力がいかに感情を呼び起こすかを探求しました。彼らは曖昧さと、色と形が持つ感情を呼び起こす力に関心を寄せていました。このアプローチは、アンリ・マティスに受け継がれました。

セザンヌは、山を新たに描くたびに、「山の意味や性格の別の側面」に対する新たな洞察が得られると確信していました。

■参考文献

・https://courtauld.ac.uk/highlights/montagne-sainte-victoire-with-large-pine/、2025年1月1日アクセス

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